Una mujer de retos. Entrevista a Paulina Araiza Gamboa

Por Sergio Quintanilla Cárdenas

Lugar de la entrevista: Taller Crearte Araiza. Ahí conocí en persona a Paulina, quien me dio un breve recorrido por el taller. Un espacio creativo y de docencia, que incluye, una tienda de artículos relacionados con las artes plásticas. Después, sentados frente a una mesa de trabajo, rodeados de caballetes y cuadros, la atmosfera fue perfecta para una plática sobre arte.

Paulina, transmite ser una mujer de carácter, con fuerza; por ello, cuando me contó sobre los retos que ha enfrentado, sin duda, creo que éstos han sido los escalones sobre los cuales ha construido su trayectoria.

Una mujer inteligente, de platica amena, capaz de explicar con sencillez los vericuetos del arte y de comunicar la pasión con que ejerce sus múltiples actividades relativas al arte. Su faceta de docente es notoria.

En cuanto a su obra, quiero resaltar la serie “con olor a fierro, donde la memoria y los vestigios del tiempo, representados en camionetas antiguas crean la magia atemporal de los recuerdos. Existe, creo, una memoria colectiva en muchos de nosotros, que resguarda imágenes de autos viejos, oxidados. Una camioneta vieja, oxidada, es parte del paisaje de muchas calles o lugares donde solíamos pasar o jugar en la infancia. Ver una pieza de esta serie, seguramente a la mayoría de los espectadores, nos evocará un recuerdo. Es una serie fácil de que uno se la apropie y le agregue los recuerdos propios.

En fin, sólo es mi apreciación; pueden ustedes, lectores, formarse la propia. Veamos, que nos platicó.

Es un gusto estar con Paulina, en su Taller denominado Crearte Araiza. La pregunta obligada, cuéntanos, ¿cuál fue tu primer acercamiento al arte?

Hola, Sergio, muchas gracias por visitarnos. Mi primer acercamiento al arte fue como un reto, podríamos decir. Me considero una persona muy terca; entonces, no acepto que me digan que no puedo hacer las cosas. Así que, me dijeron en la secundaria, que en un concurso siempre ganaba una persona, y me dije: ¿por qué yo no? Me acuerdo que se trataba de dibujar un mar; incluso, ni siquiera conocía el mar en ese momento, pero gané.

El hecho de sentirme premiada, reconocida, es algo que a todos nos motiva; también lo es, el hacer sentir algo a quien admire nuestra obra.

Este primer premio fue en la secundaria, posteriormente ¿cómo continuaste esta actividad?

Cuando tengo este primer acercamiento, empezaron mis maestros a impulsarme en concursos de pintura y logré obtener algunos lugares. Luego, en el último año de la preparatoria, gracias a la asesoría de una maestra, quien me platicó de la escuela de artes plásticas, empecé la aventura de hacerme profesional en algo que me gustaba mucho, que son las artes plásticas.

¿Cómo fue para ti cursar artes plásticas?, ¿realmente era lo que esperabas?, ¿cumplió tus expectativas?

En un principio, lo puedo decir abiertamente, no lo disfrute mucho. En el primer semestre sentí que desconocía muchas cosas. Soy de una comunidad de Zacatecas donde no tenía contacto con los materiales, ni con libros, no había internet, ni las facilidades que tenemos ahora todos para investigar; entonces, cuando yo salía a receso con mis compañeros, sentía que hablaban en un lenguaje que yo no entendía. Ese primer semestre fue de no salir al receso o de simplemente estar escuchando sin tener una opinión al respecto y, de alguna manera, me sentía un poco fuera de contexto; pero también, es donde comenzó el reto: me iba más temprano para ir a la biblioteca, hojear unos tres libros, leer más y de ahí, a la escuela. La verdad, es que tenía muchas ganas de integrarme, de seguir aprendiendo y poder dialogar con los compañeros, porque la escuela es un todo, no sólo son los maestros. Así fue como empezó la carrera. Después se conformó un grupo muy padre, pese a que en las artes plásticas hay mucho recelo de los conocimientos, envidias; pero, sí, después me sentí muy apoyada por mis compañeros, eso también es de agradecer.

Nos comentabas que eres una mujer de retos, entonces estas complicaciones en lugar de hacerte desistir, al contrario, fueron un impulso para terminar tu carrera y continuar en las artes. También es complicado mantenerse en este mundo artístico ¿no es así?

Sí, otro de los retos tiene que ver también con la personalidad del artista. Entonces, yo era una persona, y a lo mejor todavía lo soy, muy introvertida. Me costaba mucho trabajo expresarme, hablar de mi obra; pero vencer esta dificultad, me llevó a una de las vertientes a la que me dedico: compartir lo que han tenido a bien enseñarme mis maestros. Comencé dando clases antes de salir de la carrera a chicos de preparatoria.

Éste nuevo reto de la docencia, al principio, fue bien difícil. Como sabemos, no es lo mismo que alguien vaya a estudiar a un taller de artes plásticas por interés propio a que le digan o le impongan que tiene que tomar una materia, un taller; entonces, entendí de que iba este reto: no hay otra manera de ganarte al alumno que, con tu conocimiento, con el amor a lo que haces y que debes de estar abierto a que el arte, muchas veces, no puede ser tan calificable; me refiero a que puede una persona poner su mayor esfuerzo y eso es lo que se califica.

Cuéntanos, ¿a qué te dedicas aparte de ser artista plástica? Sabemos que eres docente, escribes una columna, entre otras cosas. ¿Cuéntanos todas las actividades que desarrollas?

Doy clase en la Licenciatura en Artes Plásticas: imparto la materia de Pintura al Óleo, Anatomía Artística e Historia del Arte.

También, tengo un taller particular (Crearte Araiza), en el cual imparto clases de artes plásticas en general: pintura, dibujo, escultura. Me interesa mucho estar atenta a las etapas grafico plásticas de los alumnos y, también, trabajar de manera personalizada, para poder ir modulando los conocimientos de acuerdo a los requerimientos del alumno.

Además, tengo un canal de youtube. Invito a los lectores a que se suscriban, búsquenlo como: Crearte Araiza. Este canal surge porque terminó una etapa en la que di clases en un colegio particular; entonces, los alumnos se acercaban a mí y me decían ¿ahora como la vamos a ver?  ¿cómo vamos a seguir aprendiendo? En ese tiempo, precisamente, estaba comenzando este gran auge de las redes sociales y, mi esposo, que es comunicólogo, me dijo: ¡órale aviéntate, yo te echo la mano! Él me ayudo con todo esto de la producción y edición. Finalmente, ese medio se convirtió en otra manera de enseñar, a quien tal vez, no puede acudir a un taller.

Otro aspecto, que me gusta mucho, es esta parte de la investigación; entonces, el hecho de tener una columna y tener un compromiso, ahora sí que externo, me obliga a seguirme preparando siempre. La columna se publica en emisor noticias, te dejo el link para los que deseen leerme:

https://www.emisornoticias.mx/v-de-venus-arte-que-provoca/ https://www.emisornoticias.mx/ecos-de-mi-2/

Normalmente, los maestros tradicionales están acostumbrados al trato directo con los alumnos, supervisar las actividades, cuéntanos, ¿cuál ha sido tu experiencia en crear contenido educativo en plataformas digitales ?, ¿Qué complejidades tiene enseñar a través de medios como youtube?

Una de las complicaciones que tuve en un principio, fue que en mi afán de querer darlo todo, a veces, saturaba de información un video o hacía un ejercicio y omitía pasos, pensando que la otra persona ya lo sabía hacer.

En este proceso, pasó una cosa bien curiosa, una maestra de España que no conocía hasta ese momento, me dijo que admiraba mis videos y que si le permitía hacerme algunas observaciones. Yo le dije, adelante, porque muchas veces, quien ve esos videos es como tu moderador, es quien te dice que tienes que mejorar, que tienes que cambiar, incluso que quitar. Entonces, esta maestra que es una maestra de muchos años, a la cual yo admiro muchísimo, me hizo una video llamada y me dijo Pau, cuando hagas un video no tienes que dar por hecho que la persona ya lo sabe o que pasos sabe, ni creer que viéndote puede seguirte al mismo ritmo, en la medida de lo posible debes de desglosar el video. También, puedes ir haciéndolo por niveles; porque, por ejemplo, los alumnos que ya son de nivel licenciatura no se les puede enseñar más que con un lenguaje técnico; el nivel académico, te obliga a utilizar ese lenguaje porque no hay otra forma de nombrar a las cosas.

Definitivamente, uno de los aprendizajes y de los retos más grandes, consiste en que en un video no lo puedes hacer todo. Una de las maneras de enseñar es viendo el proceso del alumno. A partir de sus trazos, incluso de la manera en que toma el pincel o maneja sus materiales, puedes hacer observaciones específicas; esa una de las limitantes, una de las cosas que no se pueden hacer en el video, porque obviamente, no es una clase presencial. ¿Cómo subsano esa parte? Haciendo videos de tips: Si no te funciona esto, puedes hacer aquello. 

El canal de youtube ha funcionado. La verdad, es que ya me he visto rebasada por el número de comentarios, pues quisiera atenderlos todos de manera personal. También, es bien bonito porque me escriben personas de otras partes del mundo y se han creado relaciones con personas que a lo mejor no conozco personalmente; pero, el saber que estas aportando algo desinteresadamente ha tenido muchas retribuciones y, eso, es lo que yo más valoro de tener este medio. Además, esta plataforma nos permite vincularnos no solamente como maestro – alumno, sino que también, nos vincula como colegas.

Que importante y a las vez difícil o complicado, saber cómo procesar las críticas que te puedan realizan a través de estos medios o plataformas digitales. Es cierto que hay una crítica constructiva que te puede ayudar a mejorar tus contenidos; sin embargo, generalmente también hay demasiados comentarios sin fundamento, que incluso, son realizados únicamente con el ánimo de ofender.

Mencionas una parte muy importante. Sí, es complicado porque recuerdo que en los primeros videos me insultaban de una manera hiriente. Todos estamos abiertos a la crítica, pero considero que debe de ser una crítica constructiva.  Aunado a lo anterior, siempre me han dicho que soy una persona de hondo sentir y, a veces, esto puede ser contraproducente porque si me siento mal, me siento realmente muy mal; si me enojo, me enojo mucho y, si algo no me gusta tiendo a ser demasiado drástica. Entonces, me dijo mi esposo “si quieres dejamos los videos; o sea, si te afectan mucho los comentarios, ahí le paramos, tú decides”. Voy a continuar, le contesté; es cuestión de ver los likes contra los dislikes. Lo voy a hacer por las personas que realmente están interesadas.

Otra de las cosas que me han interesado muchísimo, es la cuestión del marketing, porque para aceptar o comprender algo, necesito encontrar como sustentarlo. El hecho de que haya haters quiere decir que, de alguna manera, estás haciendo bien las cosas, que estás logrando que el otro volteé a verte y, como lo decíamos, siempre va a ver una persona que está enojada con la vida, que no le han salido las cosas como quiere y empieza a moler; pero lo que él no sabe, es que en lugar de perjudicarte, te ayuda, porque todo esto que tiene que ver con redes sociales tiene que ver con reacciones, no necesariamente con si me gusta o no me gusta. Entonces, el hecho de que estén ahí molestando, quiere decir que ven los videos. Esta información me ayudó a relajarme un poquito en ese aspecto. Ahora, hasta algunos comentarios ya me dan risa. En youtube, se tienen reglas muy precisas y se filtran en carpetas los comentarios que son ofensivos; pero, cuando los filtran, hay un letrero grande que dice algo como “recuerda no ofender a tu audiencia o recuerda ser respetuoso”, lo cual, ya no es tan necesario en mi caso, pero en un principio sí fue fuerte.

En el caso de los artistas, tienen una actividad pública, en la cual, siempre va a existir la crítica. Lo negativo, es este aumento de personas que hacen de la crítica un insulto y, tratándose de redes sociales, por la cantidad de usuarios, éstas ofensas pueden verse multiplicadas de manera exponencial.

Esta parte de las redes sociales, también ha sido un reto, porque siempre me he considerado una persona muy hermética en cuanto a mi vida personal y, el hecho de empezar a vincularte con otras personas en una actividad, en la cual, les gusta saber o conocer que tienes un lado humano, fue para mí complicado. Te lo digo así, abiertamente, que en la vida nos tenemos que poner mascaras: que si como maestro puedo ser una persona, que no quiere decir que deje de ser paulina; pero existe algo así, como si se activara un chip y se desactivara otro. Aún con todo esto, las redes sociales son una gran puerta.

Una maravillosa puerta, sin duda. Cambiando de tema, Paulina, cuéntanos de tus exposiciones han sido individuales, colectivas y cuál ha sido tu experiencia con ellas

La primera serie: “Policromía de la realidad”, la realice para titularme de la licenciatura en artes plásticas y está conformada con retratos realistas, en los cuales, me interesaba muchísimo representar la dualidad. Una de las cosas que me apasiona mucho es la psicología, pero ahora sí   que la psicología es mi hobby; porque luego, muchos ven las artes plásticas como hobby, no es mi caso.

La segunda serie, de la cual también hice una serie individual, fue: “Con olor a fierro”. Tardé como unos 8 años en realizarla y está dedicada a mi papá, que hasta la fecha arma camionetas antiguas. El parteaguas de esta serie fue que a mí me gustaba mucho fotografiar las camionetas que estaban con los colores óxidos; me gusta mucho esto del vestigio del tiempo e hice una primera pieza estando en la licenciatura de artes plásticas. Los maestros me dijeron que no lo dejara ahí, que esa pieza era muy importante, que era algo no tan visto pero que me iba a dar mucho, que era un tema que daba para mucho más.

Otra cuestión muy importante que debemos cuidar los artistas es la vigencia, estar vigente.  Entonces, si a lo mejor no puedo hacer una serie, o como ahorita que tengo una serie con unos diez cuadros y, si no puedo sacarla por múltiples actividades, armas colectivos. Es un aspecto bien interesante que permite al colectivo trabajar sobre un tema de interés, y que, de alguna manera, nos ayuda a todos a estar vigentes.

En ese sentido, sí he realizado como unas ocho exposiciones en colectivo, entre invitaciones o cuates que decidimos a pintar sobre un tema y exponemos; este tipo de exposiciones también han sido interesantes, porque a veces, los artistas estamos sobre una sola línea en cuanto a temáticas y esto nos abre otras posibilidades.

Mencionaste una serie nueva que aún éstas trabajando, ¿de qué trata?

Aún no tengo el tema, pero tiene que ver con las cicatrices psicológicas. Es una serie retrospectiva autoreferencial en la que se mezclan vivencias y sueños de mi infancia

Regresando a uno de tus temas de interés: la dualidad. Te quiero preguntar, desde tu perspectiva como artista, ¿cómo abordas la dualidad?, ¿Cómo dos partes opuestas, irreconciliables o como dos partes que se complementan?, ¿que aparentemente están separadas pero que al final forman una unidad, una totalidad?

La dualidad la abordo como dos partes de una unidad; es como si a partir de dos partes buscaras tener un equilibrio. Entonces, por poner un ejemplo que tiene que ver con lo racional y lo emocional; si nos vamos como siempre por lo racional, llega a un punto y me he sentido así, en el que te vuelves como un zombie de tus emociones, y no es tan fácil, que algo te haga sentir feliz. En lo emocional, por ejemplo, como cuando te sientes triste y reprimes eso. Otra parte, que tiene que ver también con lo racional, consiste en que te ayuda a modular esas emociones, como lo que mencionaba del hondo sentir; es decir, si algo me afecta demasiado, puedo decirme: “calma, no te vas a morir de eso”.

Entonces, como lo decías, son dos partes en una sola, que hace que me sienta equilibrada.

Quisiera rescatar esta última idea, tu búsqueda de la dualidad, ¿no es más bien, la búsqueda del equilibrio?

Nunca me había hecho esa pregunta, pero puedo ahondar al respecto en cuanto a algo que me interesa mucho cuando realizo una obra o en mi personalidad, que es el estar muy atenta a los tres estados del ser: lo físico, lo espiritual y la conciencia. Entonces, sí, me considero que estoy en búsqueda de un equilibrio, sino te sientes de alguna manera en paz, contento con lo que haces, es muy difícil que tus emociones puedan ser representadas; aunque, a lo mejor me equivoco porque hay personas que adoptan el arte como una manera de desfogar, de sacar cosas; pero en lo personal a me funciona más estar en paz y en equilibrio para que pueda fluir, a lo mejor algo melancólico, pero de una manera cómoda, y no, que tenga que estar, y ya me pasó, llorando pintando un cuadro.

La serie con olor a fierro, que tiene que ver con pintar camionetas antiguas y oxidadas, en reparación, pareciera ser una mirada femenina de una actividad considerada culturalmente muy masculina; aunque definitivamente, dentro del arte no creo que haya un tema masculino o femenino, ¿qué opinas de que esta serie pueda ser una mirada femenina?

Como lo platicábamos antes de la entrevista, no he estado atenta a esta división que existe. Puedo decir que alguien es artista, y no, que es pintor o es pintora, sino que es un artista. De alguna manera, esta serie ha creado una disputa en relación a que la mayoría de las personas que ven las piezas en donde ha sido expuestas, piensan que la pintó un hombre. La verdad, es que nunca pensé cuando realicé las piezas, que iba a crear eso. Simplemente es algo que a mí me gusta mucho, que tiene que ver con las memorias de mi infancia, de estar trabajando con mi papá, de construir: finalmente es el armar una camioneta, poner una pieza de una camioneta sentada en el chasis de otra. Entonces, yo lo veo en ese sentido como de construir, de visualizar, de representar la memoria. A lo mejor sí, de que mi pintura se vea fuerte; o sea, que no creyeran que por ser mujer debo de pintar solo flores o frutas, como se pensó en mucho tiempo y de esta manera se limitó a la mujer, sino que sepan que podemos pintar lo que nosotras queramos y que la pintura no tiene género.

Como comentabas hace un momento, eres una mujer de retos, de empuje; entonces, independientemente de que pintes camionetas o no, me imagino que esa fuerza está presente en el resto de tu obra, aunque abordes otros temas, ¿es así?

Sí, puede ser. Lo que dices lo convierte en algo muy autoreferencial, como inherente a lo que somos. Incluso lo de flores, frutas, paisajes, no lo digo de manera despectiva. Cuando yo llegué aquí, yo quería pasar mi vida pintando paisajes, me gusta mucho el paisaje, pero me decían que el paisaje ya paso de moda. Empecé entonces, a experimentar mucho a lo largo de la carrera, pero no pude encontrar mi estilo, no me pude encontrar en algún tema.

Ahora, que estoy trabajando esta última serie que tiene que ver con una retrospectiva, inconscientemente hay como muchos elementos simbólicos; entonces, ahí vuelve a brincar el paisaje y vuelve a brincar de una manera en la que no solamente se representa en las formas, sino que se representa también, en los colores que son sobrios, como tierras del lugar donde yo nací; entonces, es otra paleta.

En policromía de la realidad, sí fue como un análisis del contexto de aquí, de mi familia, como queriendo representar un tema con la historia del otro; pero las camionetas, son una memoria que tiene que ver con un reconocimiento a mi papá y una paleta que me llama mucho, que son los colores óxidos.

Viene luego, otra etapa, como de esta retrospectiva que tiene que ver con una temática más liberadora que son los paisajes y muchos elementos simbólicos de los sueños y la niñez.

Además de tu licenciatura en artes plásticas, también cursaste la licenciatura en arte contemporáneo. Otro nuevo reto, ¿porque decidiste hacer esta licenciatura, cuando ya tenías una en artes plásticas? ¿Cuál es el nexo o motivo por el cual esta licenciatura se convirtió en el siguiente paso en tu formación académica y artística?

Bueno, como todos sabemos el arte tiene un proceso evolutivo, el cual, obviamente, ya está mucho más adelantado al tiempo en el que estoy teniendo esta iniciativa de estudiarlo y, la carrera en artes plásticas tiene mucho que ver con el oficio, con crear, con la conexión y relación con la materia. Entonces, el arte contemporáneo resultó un reto; pues, ya no es solo el arte por el arte, ya no solamente depende del material, sino que depende de un contexto, depende de un argumento y, yo sentía, como que en esa parte estaba un poco como abandonada. Hoy, que ya estudié la licenciatura en artes plásticas puedo hacer una retrospectiva de mi obra y saber porque realmente la hice, saber que había detrás de todo lo que quiero representar. Incluso, hablar de manera más abierta, más profesional acerca de lo que estoy representando.  La otra cuestión, es que cuando yo decido entrar a la licenciatura en arte contemporáneo, no lo entendía y externaba una crítica que, a lo mejor, no estaba fundamentada. Entonces, sí había como cierto temor: voy a entrar y no sé si me va a gustar. El ejemplo, que te mencionaba antes de la entrevista, el de la banca, que era un objeto se volvió otra cosa totalmente diferente cuando sabes cómo y de que esta hecho el objeto.

Comentábamos fuera de la entrevista, que tal vez, una de las razones por las cuales el arte contemporáneo no es suficientemente apreciado, es porque la pieza artística no es valorada dentro de un contexto; y que, ese contexto, es lo que le da ese nivel de arte. ¿Nos podrías explicar esa parte y contarnos completa la anécdota de la banca, para tener la referencia y el contexto?

Sí, mencionábamos antes de la entrevista que cuando entré a la licenciatura en arte contemporáneo, nos ponían unas diapositivas con imágenes de diferentes obras contemporáneas; entre ellas, una banca creación de la artista Tere Margolles. Entonces, yo veía una simple banca de cemento que, a mí, no me decía nada. Después, hicimos una lista con las obras que más nos gustaban y las que menos nos gustaban. Recuerdo que en mi lista la banca era la última. Los maestros, después de que pasaron las diapositivas empezaron a hablar sobre las obras, el argumento de la obra, quien la hizo, bajo que contexto, cuál era la intención de realizar la pieza, cuál fue el proceso de producción, el proceso de registro. Poco a poco, te vas dando cuenta que atrás de una pieza hay un proceso de investigación y que, puede haber una pieza, que para realizarla se tardaron mucho, incluso años. Así, cuando llegan a la parte de la banca, explican que fue hecha con el agua con la cual lavan a los cadáveres en la morgue, cuerpos que nadie reclamaba; la pieza es como una especie de homenaje. Definitivamente, conocer todo ese contexto, me dio la voltereta. Entonces, cuando yo veo una pieza de arte contemporáneo, antes de decir: ¡sí, me no gusta!, ¡no, me gusta!; veo como la percibo, que siento y surge una necesidad de explorar sobre que es lo que me quiso transmitir el artista. Aunque el artista no va a estar en todos los casos para decirte lo que quiso transmitir; algunas piezas, pueden ser como una incógnita siempre. Aunque el arte contemporáneo tiene esa llave que le toca al espectador emplear, tomarse, no sé si la molestia, el gusto o el interés de tratar de vislumbrar, de ver más allá, del objeto artístico.

Estamos hablando que una pieza artística en el arte contemporáneo tiene un contexto previo, el cual, significa o resignifica al objeto, lo vuelve arte; quizás, sin ese contexto, sin esa resignificasión, podría ser un objeto común y corriente. Consideras que esta falta de contexto ¿es lo que comúnmente encontramos como critica al arte contemporáneo? ¿este elemento es la clave para poder valorarlo?

Sí. Aunque, algunas de las piezas puede que no tengan contexto, por lo cual, puede ser un arte que se preste a charlatanería y paguen justos por justos por pecadores. No puede alguien automencionarse como un artista, porque no necesariamente requiere de tener una habilidad técnica o un oficio, cualquiera podría tomar un objeto y resignificarlo, como dijiste, y ponerlo en un contexto que haga que cualquiera objeto que pueda estar ahí, pueda ser considerado arte. Como este caso de los lentes: una noticia mundial de unos lentes tirados en una sala o, por ejemplo, este otro caso, de un artista que hizo una instalación como de cuando termina una fiesta, y que, la persona que hizo el aseo llegó y recogió la obra de arte pensando que era basura. Entonces, yo creo que siempre va a haber esta polaridad, verdadero arte contemporáneo y, ¿cómo decirlo?, una burla del arte contemporáneo.

¿Cómo navegar entonces en este vastísimo mundo del arte contemporáneo? ¿Cómo tratar de apreciarlo y no ser defraudado en el intento? ¿Cómo evitar caer en las manos de supuestos artistas contemporáneos, que aparenta realizar arte? ¿tendrías alguna noción que pudiera servirnos de guía?

Lo más importante para entender el arte contemporáneo es entender al artista; es decir, investigar ¿qué ha hecho?, ¿cómo ha sido el cuerpo de trabajo? El cuerpo de trabajo se refiere a cuáles son los materiales que utiliza, cuáles son sus líneas de acción, sus temáticas. Entonces, puedes ver si es un artista que lleva una trayectoria consolidada y, que es lo que ves a través de su obra. A lo mejor, llega un momento en el que, la manera en que hace arte, se conceptualiza demasiado que una obra de arte, tal vez, puede ser nada. En este caso, debe de haber algo detrás del artista: sus estudios, lo que él ha representado con anterioridad; todos éstos elementos avalan que realmente sabe lo que está haciendo, y no, que se lo sacó de la manga.

También, investigar acerca de la disciplina, porque también, hay un punto en el que el arte contemporáneo es multidisciplinario. Entonces, ya no sabes si es una pintura o una escultura; como en el arte expandido, en el que puede haber un cuadro y a lo mejor, una parte que está representada pictóricamente puede estar, luego, tirada en el piso. Otras piezas en las que no precisamente se califica como arte al objeto como tal, sino todo el proceso que se llevó a cabo para hacer la obra; por ello, debemos de estar muy atentos a las disciplinas dentro del arte contemporáneo para poder calificar si es o no arte y bajo qué criterios. Hablando específicamente de una disciplina como de esta que hablamos, que es el arte del proceso o process art, para hacer una crítica primero hay que entender la disciplina para después comprender las características de la obra; finalmente, investigar al artista que la realiza, buscando que haya como una congruencia de la obra con el contexto.

Se vuelve un proceso complicado poder apreciar este tipo de arte, como limitado para personas que estén dentro de ese círculo artístico. Entrar en ese mundo complejo, pareciera que no es para aficionados sino para personas, que por lo menos, dedican tiempo a investigar lo suficiente para poder apreciar el arte contemporáneo

Se ha dicho mucho, que el arte contemporáneo es para los ricos o para la gente preparada; pero creo, que el arte contemporáneo es para la gente que tiene deseos de conocer sobre el arte contemporáneo. No necesariamente necesitas ir a un museo de arte contemporáneo para saber de él: puedes investigar, ver videos, etc. Lo que sí creo, es que el arte contemporáneo es muy reflexivo y puede llegar a ser hasta polar, critico, transgresor. Definitivamente, puede tener muchos adjetivos tanto positivos como negativos, pero de alguna manera, el arte contemporáneo te obliga a replantearte cosas; no digo que las artes plásticas no lo hagan, pero es distinto. Se dice en artes plásticas, que cuando ves un cuadro abstracto o, ves algo raro como una manzana cuadrada en un cuadro y, ves una manzana redonda en otro cuadro realista, te va a llamar la atención la manzana cuadrada. Entonces, el arte contemporáneo es algo así como lo extraño que nos atrae, pero para entenderlo no te puedes quedar solamente en lo que percibes.

¿No será tal vez que en las artes plásticas pareciera que ya se ha experimentado bastante con los mismos temas?  Y el arte contemporáneo tiene otras búsquedas, inquietudes nuevas.

Dicen que en las artes plásticas todo está hecho. Demasiados “ismos” hasta llegar a un punto en el que el sistema del arte ya no utiliza esos “ismos”, sino que, ya puede calificar un tipo de arte con el nombre del artista que lo realiza; entonces, de esta manera se continúan generando innovaciones.

La diferencia que yo encuentro, es que el arte contemporáneo puede vincularse de manera más abierta y sin reglas con otras disciplinas, como lo que mencionábamos del bioarte, videoarte, psicología del arte, filosofía y arte, antropología y arte. Como ves, la vinculación no solamente tiene que ver con aspectos técnicos sino con aspectos conceptuales, con lo filosófico; entonces, se vuelve como una “marabuta del arte”, no sé, si “marabunta” esté mal empleado, pero se llega a una posibilidad en el arte contemporáneo, en el que increíblemente, todo puede ser arte.

Volviendo a las artes plásticas, ¿has tenido experiencia con la escultura? ¿has tenido alguna exposición?

Sí, me gusta mucho, pero sí siento que implica más tiempo, más esfuerzo.

Como escultora he tenido dos exposiciones, con las mismas piezas; pero curiosamente, dentro del marco del día internacional de la mujer. Las piezas: una, es como danza marina, una escultura en talla en cantera; y la otra, son unos flamingos en madera de cedro

¿Y en el grabado? ¿Cuál ha sido tu experiencia?

El grabado, primero fue como una relación de amor y odio. Sabía que el día que me tocara grabado iba a llegar a casa dopada, que me iba a sentir muy mal; porque algunos de los procesos del grabado implican la utilización de solventes. Entonces, estaba más preocupada con la idea que me iba a sentir mal, que no lo disfrute en un principio. En las últimas etapas de la escuela, hubo trabajos que me gustaron tanto, que me hizo darme cuenta que lo otro, era pura sugestión.

Lo que me gustó mucho del grabado fue darme cuenta que una pieza la puedes convertir en un tiraje, lo que facilita su venta; es decir, una pintura cara, no están fácil que la compren, pero si haces un tiraje de 10 grabados, en lugar de dar en diez mil pesos un grabado, das cada grabado en mil pesos, definitivamente tiene más posibilidades de venderse. En la actualidad he abandonado un poquito el grabado, no porque así lo haya decidido sino porque estoy esperanzada a tener mi propio espacio, tiempo y la prensa, que es una herramienta fundamental para hacer grabado. Lo que sí he seguido haciendo, son unos ejercicios pequeños con grabado manual.

Platícanos, sobre el taller Crearte Araiza, ¿a qué y a quienes está dedicado este espacio? ¿cual es el objetivo?

El parteaguas que dio pie a la apertura de este taller, es que comencé a dar clase a niños como parte de servicio social y, me gustó mucho esta experiencia de poder compartir con el otro. Después trabaje en una prepa. Luego en un colegio particular, dando la materia de artes plásticas, desde nivel preescolar hasta preparatoria. En esos tres años, me hicieron darme cuenta de la importancia de estar pendiente de las etapas grafico plásticas en el ser humano, sobre todo de los chicos de tres años hasta la etapa de realismo visual (que es como entre los 9 y 11 años), que es la etapa en la que se pierden los mejores artistas porque no hay alguien que canalice las habilidades que pueda tener el alumno. Entonces, de mi experiencia de esta etapa en la docencia, una de las cosas que no me gustaban de dar clase en un colegio, era que tenía que calificar el arte y que el alumno lo hiciera por una calificación, siempre estuve en desacuerdo con ello; aunque sé, que tienes que tenía que hacerlo. Ahí, me surgió la espinita de tener mi propio espacio en el cual pudiera estar atenta a la evolución de estas etapas grafico plásticas, poder ayudar al alumno cuando se presenten ciertos desfases; por ejemplo, a la edad de 9 años, que es cuando empieza la etapa de realismo visual y los niños quieren dibujar como un adulto, pero no pueden, se frustran y ya no lo quieren hacer: ahí es cuando abandonan las artes plásticas. La mayoría de los adultos que no saben dibujar, se quedaron en esa etapa, por ello, me interesa mucho hacer ver al alumno que su única limitante es la manera en que piensa el arte, que puede desarrollar la habilidad de crear arte.

Desde tu experiencia como docente y como creadora de arte, como artista, ¿cuál crees que sea la mejor forma de acercar a las personas al arte de una manera amable?

Creo que el ingrediente más importante es que la persona se sienta motivada.  Lo he visto aquí, en el taller, sobre todo en adultos, que dicen “estoy como muy aburrido y necesito una actividad, o bien, tengo muchos problemas y necesito una actividad que me permita olvidarme de ellos”. La verdad, es que cuando uno está creando entra en un estado de flujo que independientemente del porque hayas decidido hacerlo, te desconecta. Aunque, sin duda, una de las motivaciones más importantes es que a través de utilizar diferentes metodologías se logran resultados positivos. Siempre me he considerado una persona muy metódica, porque éstas metodologías ya se implementaron, están probadas y sé que dan resultados porque lo veo en mis alumnos; al usarlas, ellos mismos pueden irse dando cuenta de la evolución que han tenido en sus trabajos; ese darse cuenta de su avance, es algo que los mantiene motivados y hace que quieran seguir explorando más.

Finalmente, podrías contarnos ¿cuáles son tus proyectos, que es lo que sigue?

Ahorita estoy en pláticas con una compañera, también de la Licenciatura de Arte Contemporáneo, con la que hice una amistad bien bonita, para hacer un podcast en el que podamos tener invitados, abordar un concepto sencillo y explicarlo de una manera muy desmenuzada y amena. Todo esto, para que, como tú lo mencionas en tu revista y, es lo que se me hace bien interesante, que se pueda generar un vínculo entre estos tres elementos del fenómeno artístico: el artista, la obra y el publico

Nos dará mucho gusto escucharlas en su nuevo proyecto. Cuando lo tengan listo, nos gustaría que nos lo compartieran para hacerlo saber a los lectores de la revista 13 de abril. Un gusto Paulina, que nos hayas recibido, que hayas compartido todo tu conocimiento y experiencia, muchas gracias.

Gracias a ti, Sergio. Me da mucho gusto que se abra este espacio para que, como lo dijiste, se desmitifique la imagen del artista como alguien superdotado; es decir, que quién lea ésta entrevista y la revista pueda tener una visión más completa y real de lo que es un artista: lo que hace y todo lo que lo ha impulsado, lo que lo ha llevado a llegar a donde está.